# 100 个有意思的人
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一个做诗集装帧出道的设计师，
和你我聊聊职业生涯和文字设计。
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10 月 19 日，为期一周的小红书设计周在西岸美术馆正式闭幕。这也是小红书设计周首次离开街区，在美术馆里办展。展览大致分为两个板块：向大众征集作品、由评委策展的小红书 InAward 设计大赛成果展“日常开放”（Daily Open），以及武藏野美术大学基础设计系 30 周年回顾展“形态的诗学”。
● 小红书设计周由小红书产品设计部于 2021 年发起，迄今已经举办了 4 年，它的核心理念是让更多人接触到好设计。本届小红书设计周在西岸美术馆举办，活用了中庭、走道、平台等空间，让观众产生“边走边逛”的体验。图片提供 | 小红书设计周
活动期间，未来预想图采访了日本平面设计师佐佐木俊。他是小红书设计周 InAward 设计大赛的评委之一，主要负责平面设计版块。在小红书设计周论坛环节中，他还给大家唱了一段 rap——据说，他业余还是嘻哈音乐团体 TOKYO HEALTH CLUB 的 rapper。
这是佐佐木俊第二次来中国。此前，他曾担任设计杂志《Design 360°》举办的设计大赛 Graduate 360° 100 的评委。如果你关注平面设计，或许还会对他做过的一系列小车图形有点印象。
而在日本，佐佐木俊最为人所知的是他为诗人、小说家最果夕日（最果タヒ）设计的书籍装帧封面。自 2014 年起至今，他长期担任最果夕日的书籍和广告设计师。这个案子也是他设计职业生涯的转折点。
● 佐佐木俊为最果夕日设计的部分出版作品封面。图片来源 | tumblr@SHUN SASAKI / GRAPHIC DESIGN
2010 年，佐佐木俊毕业于日本知名艺术院校多摩美术大学的平面设计专业。他自述从小喜欢画画，但是在上大学前并不憧憬设计。“只是因为非常浅层、表面的‘好像挺酷’的欲望驱使我报考的。“他考了三次才被多摩美术大学录取，受老师引导，逐步对设计产生兴趣。
求职时，他尝试申请了电通、博报堂等知名广告公司，但都被拒绝，之后，他加入了一家 100 人左右的广告制作公司 ADBRAIN。而在这类公司里工作，通常意味着他不太会有机会做那些带有个性的“作品”、接触大品牌的大企划，难以积累名气。
佐佐木俊把“到知名企业上班”这条路比作“主流”，而由于没能走上这条路，他年轻时心里多少有点不服气。“我身边其实有很多比我优秀的同学，毕业后他们很早就（以自己的名字）开始活跃了。而我当时还没有到能‘以自己的名字去接案子’的状态——无论是技术上，还是环境上，我都还不成熟。不过我始终有个念头：‘手不能停下来。’”他回忆说。
于是，他用业余制作平面设计实验图发到网上，收到了来自全球各地的评论，但始终没有日本人留言。直到 2014 年，一名出版社编辑联系他，说诗人最果夕日指定要让佐佐木俊来做新书的封面设计。最果夕日在网络上看到了佐佐木俊的作品，成为了第一个给他留言、委托他工作的日本人。见面时，最果夕日希望他“创作你认为好的作品”。
● 最果夕日《诗的加速／诗的停止》在埼玉国际艺术祭 2020 期间于城市中展出，诗句被印刷在了街道上。平面设计 | 佐佐木俊、中西洋子（AYOND），图片来源 | tumblr@SHUN SASAKI / GRAPHIC DESIGN
● 2020 年 12 月，涩谷 PARCO 百货举办“最果夕日展”。海报由佐佐木俊设计。图上那些变化的圆圈象征“诗歌的细胞”。图片来源 | tumblr@SHUN SASAKI / GRAPHIC DESIGN
尽管还未从公司离职，时间有限，佐佐木俊也从未做过书籍设计，但他仍然决定接下委托。诗集《虽然会死去，但我们依然……》出版后，开始在日本各大书店销售，销量远远超出预期，成为了热门话题作，自此，佐佐木俊这个名字在日本平面设计界崭露头角。2016 年，他成立了平面设计事务所 AYOND，2020 年还拿下了日本平面设计协会（JAGDA）颁发的新人奖。
如果观察一些佐佐木俊的设计作品，会发现他在设计时会大量运用色块和留白，并通过改变字的形状，在细节上打破秩序，构成了独特的视觉风格。因为经常需要制作书籍、专辑和海报的封面，他的设计常常要直面文字，以文字为设计主体，同时兼顾信息传达和装饰两种属性。
“我觉得，对于（平面）设计师来说，或者说对于当下这个时代来说，最应该被认真对待的东西，大概就是‘文字’。”他告诉未来预想图。
● 佐佐木俊在小红书设计周展出个人作品。图片提供 | 小红书设计周
在日本设计教育的传统中，有一个重要的概念叫做“图案文字”。不同于强调功能性与可读性的字体设计（Type Design），“图案文字”将文字视为一种图形元素，夸张处理文字笔画，甚至与植物、器物等图案融合，使文字兼具信息传递功能与装饰性。这种设计思路被视为日本近现代美术教育中连接书法、工艺与现代平面设计的关键一环。
这次让我们借着小红书设计周，和他聊了聊职业生涯和各种设计实践。
未来预想图
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佐佐木俊（Sasaki Shun）
平面设计师
D = 未来预想图（Dream Labo）
S = 佐佐木俊（Sasaki Shun）
D：2010 年大学毕业后，你在广告公司工作了大约 6 年，2016 年独立。当时为什么会进广告公司？这 6 年的工作经历，对你的设计理念产生了怎样的影响？
S：我大学毕业后进入的第一家公司，是一家专门做广告的公司。员工大概有接近两百人吧，在日本的广告制作公司里算是规模比较大的那种。
我那时候也挺自以为是的，带着“我要做出很棒的设计”那种心气进去的，但实际上，我的技能——包括设计能力、技术层面那些——完全跟不上、配不上那股劲儿。当时公司里有很多比我设计更好的人。像是 Illustrator、Photoshop 的操作技术，他们都比我厉害得多。于是我就一边工作，一边向那些前辈学习。
广告业的节奏非常快，工作速度要求很高，我也在那种环境下被训练得能又快又准确地完成任务，比如怎么裁纸、怎么画线，这些看似基础的小事，都是我在那里被前辈们一点点教出来的。也正因为那段经历，现在回想起来，那前三年打下的基础真的很宝贵，它让我掌握了工作的速度感、执行力，还有一些像是“名片该怎么递”这样看似细微但很重要的职业礼仪。
之后的三年，我去了另一家更小的公司 Grits Design（グリーツデザイン），大概只有四五个人。选择这家公司是因为我在大学毕业时就立下目标——要在三十岁之前独立，所以我把 6 年的职场规划分为两个阶段：前三年在大公司打基础；后三年去小公司学习“如何独立运作小规模项目”。在那里，我学习了如何在小公司里推动项目，也观察上司们是如何应对客户、管理工作的。可以说，那三年我就是边干边学，靠“偷师”不断吸收经验。总体来说，这 6 年就是我从零到积累经验、逐渐准备独立的一段过程。
D：我们注意到你有很多以文字为核心的设计，你也会特别小心地处理文字。有人说更像“图案文字”，也有人认为是“字形设计”。你自己觉得更接近哪一种？你是抱着什么心态去设计文字的？
S：我觉得对于（平面）设计师来说，或者说对于当下这个时代来说，最应该被认真对待的东西，大概就是“文字”。该怎么描述呢……插画有插画师，摄影有摄影师。那么设计师这个职业究竟是在做什么、该努力的方向是什么？——我认为，那就是文字。
所谓“文字”，不仅仅是字体本身，而是包括文字的布局、在画面上如何被摆放，以及如何通过它们在画面中建立关系、构成叙事。我认为设计师的工作正是要在这些“文字与文字之间的关系”中创造意义。
从这个角度讲，我的工作更接近“在文字中思考”，与其说是“把文字当作图案”，不如说是通过文字去构建视觉的语言与故事。所以，不必特意区分“图案文字”或“字形设计”，不如说我是在用“文字”这一媒介本身，去探索设计的可能性。
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● 2023 年，佐佐木俊负责耐克 Air Jordan 38 Rui 宣传活动的平面设计。这双鞋为耐克与篮球运动员八村塁的联名款。图片来源 | ins@nuhsikasas
● 2024 年，佐佐木俊为作家西村亨设计的书籍装帧封面。图片来源 | ins@nuhsikasa
D：很多设计师其实会对“处理文字”这件事有点抗拒。你在做这类设计时，有觉得困难吗？相反，有什么地方是你觉得特别有趣的？
S：我反而觉得，这其实是设计里最有趣的部分。要是对“文字”这一部分不去较真、不去钻研，那设计师好像也没什么别的能做的了。
对我来说，正是这种“在文字上花功夫”的过程，让设计变得有意思。而且，从实践角度看，如果自己能亲手做出文字，那其实非常自由——不用依赖别人下单或委托，不花钱，只要自己动手、速度快，就能在很短时间内完成。所以我常常觉得，让画面迅速变得更好的、最直接的方法之一，就是让文字本身变得有魅力。设计中最高效的方式，往往不是去堆砌复杂的图像，而是如何通过文字，让画面有节奏、有表情、有故事。对我来说，这种“用文字去让画面焕然一新”的过程，就是最令人着迷、也是最有成就感的地方。
D：你获得日本平面设计协会（JAGDA）新人奖时，有一张海报中间放着一大片橙色色块，文字则围绕边缘排列。从一般的设计规律来看，这种构图方式挺特别的。能谈谈当时是怎么想到那样去设计的吗？
S：那张作品的起点，其实是从展览的标题——“设计的（栖）身之所”出发，我顺着那个主题去思考，才逐渐形成了那种构图。设计的形态是从标题的概念中自然延伸出来的。
另外，还有一点是关于可变性（変化する性格）。我平时的作品大多强调“画面单张的力量”——也就是追求一幅图像本身的强度、视觉冲击力，但这张海报的制作逻辑恰好与以往相反，它更强调“扩展性”“可变性”“动态变化”等特质。
这对我来说是一次很大的挑战，因为以前几乎没做过这种会随比例、环境、运动而改变的设计，所以这张作品在我整个创作经历中，是非常特别的。它既有动感，也能在不同比例下保持成立，而且透过“运动”和“变化”去表达主题，这对我来说非常新鲜。可以说，那次的设计让我突破了自己以往的框架，也是我至今仍然觉得很有代表性、意义重大的作品之一。
S：嗯，有的。比如我这次在上海展出过的 Cody Lee 乐队的巡演海报，我自己就挺喜欢那张作品的。当然，别人怎么看我不太清楚，但对我来说，那张海报的文字部分做得非常好。我觉得那次的设计在造型上实现了一种很有趣的平衡。它有“形”的趣味，还保持了整体的结构感，在我看来，那是我少数能真正觉得“啊，这次做得不错”“形状非常有意思”的作品之一。文字设计上，我觉得在“文字的造型性”和“画面整体的节奏”之间找到了一个恰到好处的平衡点，这是我在自己的作品里最满意、也最有成就感的部分。
● 2023 年 9 月，乐队 Cody Lee的日本巡演“生活将会继续”（せいかつはつづく TOUR）的海报。佐佐木俊将“生活”这两个字作为设计主体。图片来源 | X@C_D_Y_L
D：你的作品中，配色与几何形状会给人留下深刻印象。这样的视觉语言是如何形成的？
S：嗯，这个要看是什么作品，但基本上关于“颜色”，我的做法是——先确定一组对比色。比如红与蓝这样的组合，我通常会先选出两种对比鲜明的颜色，以此为画面的基础，接着根据想营造的氛围去调整饱和度。如果想让整体显得平静，就会把色彩的饱和度降一点；反之，如果想营造更鲜明、有活力的印象，就会把饱和度设得更高一些。
从这个角度来说，我的配色方式其实相当理性、逻辑性很强。仔细看我过去的作品，会发现其中很多都采用了互补色或对比色的结构。与其用同色系去统一画面，我更倾向于通过反差让画面“立起来”。也许正是这种方式，慢慢形成了别人眼中所谓“佐佐木式的色感”。不过对我来说，这并不是刻意为之，而是一种身体上的感受——如果画面中缺少这种对比和平衡，就会让我觉得有哪里不太舒服。
所以，不仅是颜色，包括文字与形状的配置也是如此。我在心里早已形成了一套让画面成立的规则。当然，有时我也会打破这些规则，但那必须有明确的理由。我的设计语言是在不断建立与打破这些自我规则的过程中形成的。
●佐佐木俊设计的 2021 年日本 NHK 第 72 回红白歌合战 logo，采用了从红到蓝的过渡渐变色。图片来源 | AYOND
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● 佐佐木俊的社交媒体头像挂着一辆他自己设计的蓝色小车。2020 年，他曾在代官山茑屋书店销售一系列小车元素的印刷作品，包括海报、Zine 和明信片。他说，学生时代没考驾照，导致至今不会开车，但在设计的世界里可以当个“PAPER DRIVER”（纸上司机），于是就有了这个企划。图片来源 | tumblr@SHUN SASAKI / GRAPHIC DESIGN
D：你也用中文汉字做过一些平面设计。与日语相比，你觉得其中有哪些不同或困难之处？
S：“看不懂”就是最大的难点。读不懂的时候，设计就会变得非常困难。虽然中文我多少还能凭感觉猜到一些意思，但如果完全不了解内容，就没法判断哪一部分的文字代表什么含义，而“意义与位置的对应关系”其实正是排版设计（Typography）中最关键的部分。比如，哪一个词要放大？哪一个字该用什么颜色？这些都取决于它所承载的语义。而如果无法准确理解这些语义，就无法在画面上建立那种意义与视觉的平衡关系。使用中文设计时最大的困难就在于当语言无法被完全理解时，就很难控制文字与构图之间的逻辑。这种状态是既有挑战又有点挫折感的。
D：这次你在小红书设计周 InAward 设计大赛的平面设计版块担任评委，你会特别注重哪些标准？在这次入选的作品中，好像有不少是以文字为主的设计。
S：我觉得关键在于有没有“挑战性”或“提案性”。比起单纯漂亮、帅气的作品，我更容易被那些带有某种提案意识的设计吸引，它向人们提出一种新的看法：“这样的设计也可以存在吧？”——如果作品能在设计中提出这种新的可能性，让人感叹“原来还有这种做法”，正是最让我觉得有魅力的。
其实我并没有有意识地去评价或选择文字设计方向的作品。只是，如果文字在画面中的处理不够好，可能我就不会选。我很在意的是，文字是否在画面中真正“活着”，也就是说，它是否具备某种生命力、是否能在画面中发挥力量。我平时在看作品时，不论是不是评审，都会自然地关注这一点。
● 成都品牌、视觉与产品设计机构 ZeeDo 为 2025 年郑州群像诗歌生活节设计了活动视觉。你可以看到，这几张海报上，设计师将人影融入了文字设计。图片提供 | 小红书设计周
D：那有没有哪件作品的文字设计给你留下了特别深刻的印象？
S：是啊，真的看到实物之后，感觉完全不一样。比如那个像肥皂质感的小书作品（《肥皂书》），实际看到时能感受到那种触感、重量感，这些都是在照片里体会不到的，我觉得非常好，很有质感。
还有那个骰子形状的作品（《Dice-16》），实际拿在手里观察时，才明白它是那样构成的，觉得挺有意思的。当时也在想，“这个最终到底是怎么使用的呢？”但思考过程本身也很有趣。
评审最初是通过图片进行的，所以在现场第一次看到那些作品实体排列在一起时，能明显感受到设计者真的做了很多尝试、思考了很多可能性，让我非常有好感，也觉得真是很棒的作品。
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